Композиция в живописи. Что необходимо знать начинающему художнику?

Про композицию в изобразительном искусстве так много всего написано и одновременно с этим не написано ничего. Встречаются, конечно, достойные внимания труды отдельных теоретиков и практиков, но это капля в море относительно количества литературы, посвящённой другим аспектам изобразительного творчества.

Что же такое композиция, давайте попробуем разобраться. Прежде всего, это сочинение, составление единого целого из множества деталей, создание гармонии всех элементов.

Когда Вы компонуете, то делаете это осознанно, ищете логику, плетёте сеть, в которую будет поймана Ваша идея и показана зрителю. От того, насколько искусно Вы владеете мастерством композитора, зависят все Ваши последующие удачи в моделировке формы, в цвете, в передаче состояния и т.д.

Хочу подчеркнуть, сколько бы удач Вы не совершили в работе, например, написали розу как живую, если композиция разваливается, работа не удалась, все труды напрасны.

Допускаю, что кто-то меня сейчас вообще не понял, как это — роза как живая, а картина не состоялась? Композиция — это единство всех элементов, нет целого — нет и гармонии, всё просто.

Просто на словах, попробуйте разобраться в данной теме, опираясь только на учебники, на сухие формулировки: статика, динамика, ритм, композиционный центр, нюанс, контраст и т.д. Уверен, ничего не поймёте, а главное, не сможете применить.

Дело не в том, что Вы непонятливый, а в том, как эта тема раскрыта в учебной литературе. И вот что интересно — полезная и нужная литература на тему композиции встречается, но она создана как будто для профессионалов, которые и так знают, о чём речь. Гораздо востребованней были бы материалы для начинающих художников, в которых содержалась бы информация, сразу применяемая ими в работе на результат.

Давайте представим, как компонует свои работы начинающий художник, какую композиционную схему он использует, где ставит акценты, как ведёт работу.

Глубоко копать не придётся, стратегия художника-новичка проста до абсолюта, и это естественно. Композиционные схемы, которые он использует, напоминают дорожные знаки.

 

То есть, например, роза в середине рабочей плоскости или букет роз, или любой иной изображаемый предмет. В центре листа, холста нечто важное для автора, а по краям — что придётся, так, по случаю подрисовывается.

Один из художников-любителей так объяснял мне свой процесс работы. Я всегда портрет начинаю рисовать, писать с глаз. Прямо на чистом листе сначала изображаю глаза портретируемого, и если они у меня получаются похоже, я к ним дорисовываю всё остальное: нос, усы, волосы, шею, плечи, руки, ноги.

На мой вопрос, а если ноги не влезут на холст, или наоборот, много места пустого останется, он отвечал, мол, ничего, что-нибудь дорисую.

Композиция по принципу дорожного знака не требует никаких знаний — рисуй по центру задуманное и всё. Согласитесь, если бы дорожные знаки были бы сложны для восприятия, мы не смогли бы их читать за доли секунды, и это стало бы небезопасно. Знак — это сигнал “да” или “нет”, не более, никаких подтекстов и витиеватых смыслов.

Если мы упростим картину до знака, то потеряем всю станковую живопись. К счастью, этого не случится, потому что всегда будут художники, желающие рассказывать сложные истории в своих работах.

Если Вы таковым являетесь, то избавьте свои произведения от нарочитой симметрии и, конечно, начните работать с плоскостью листа, холста в целом, а не по принципу “сначала я нарисую глаза в будущем портрете, остальное как-нибудь само организуется”.

Под понятием “сложные композиционные истории” я имею в виду сложные по пятну, а не по литературному смыслу, картина — это визуальный образ, а не литературный.

У нас с вами нет возможности описывать свои мысли в словах на бесконечных страницах и зарисовывать их покадрово, как в кино, так как есть только один кадр — один лист, холст сразу для всех мыслей и переживаний.

Работайте с плоскостью от левого до правого её края, сверху донизу, чувствуйте каждый сантиметр рабочей поверхности.

Представьте, что смотрите на натуру сквозь замочную скважину. Что Вы видите? Свет, мир, залитый светом. Сквозь тёмную щель свет будет единым и всё будет цельным пятном, ничто не вывалится из наблюдаемой картинки, ни одна деталь не будет кричать: “Смотри на меня, я тут главная!”, всё связано со всем.

Вот она — гармония света и цвета, а если Вы ещё грамотно расположите действующих лиц, предметы в композиции, то и смысловая цельность также станет читаема зрителем.

Помните, когда Вы рисуете розу отдельно от плоскости, от среды, её окружающей, Вы трудитесь над гербарием, иллюстрацией к учебнику биологии, а не над картиной. Такую же аналогию можно провести и с портретом, и с пейзажем, где берёза на переднем плане вдруг становится единственной героиней на холсте.

Если Вы когда-нибудь видели, как проявляют фотографии, снятые на плёнку, как изображение появляется на листе, начиная с самых тёмных мест и заканчивая светлыми, Вам проще представить процесс.

Важно, что все части фотографии проявляются одновременно, а не по принципу “сначала левый угол, а затем правый”. Именно так и следует работать художнику с картиной, не делая приоритетов деталям.

Гармония — это когда всё связано со всем, а не когда что-то пририсовано к чему-то, причём на работе всегда видно, как она создавалась, продумывалась ли композиция или рисовалась как получится.

Если говорить о законах композиции, то не ошибусь, если заявлю, что их не существует, по крайней мере, в сухих формулировках из учебников, которые непонятно как применить на практике.

Плоскость — вот что точно есть. Рабочее пространство картины, которое должно ощущаться автором до каждого сантиметра. Глаза портретируемого — последнее, что должно появиться на Вашем холсте, прежде фигура, среда, её окружающая. Создавая композицию, мы идём от большого к частному, а не наоборот.

Также не стоит думать, что художники создают свои произведения по правилам и только. Вовсе нет, они нужны, чтобы их нарушать, но делать это надо осознанно, ради творческого замысла.

То есть автор свободен, ничто его не сковывает в работе. Если он эти правила знает, ему решать, как ими пользоваться. Пример: Кузьма Петров-Водкин “В детской”. Вся композиция заваливается влево, мы будто смотрим на картину, наклонив голову. Вопрос, такое композиционное решение случайность или замысел автора?

Другой пример — А.А. Дейнека. На картине только часть человеческой фигуры, и это даже не глаза, а попа и лодочка на дальнем плане. Однако этого достаточно, чтобы увидеть историю, рассказанную автором, домыслить, прочувствовать.

Напишите в комментариях, что Вас беспокоит в вопросе о композиции или поделитесь своим мнением на данную тему.

Вы рисуете, пробовали копировать, что-то уже получалось? Согласитесь, процесс захватывает, хочется творить снова и снова, но как стать свободным от чужих подсказок, чужих картин и фотографий, как начать создавать произведения самостоятельно, как творить легко?

Хотите знать, хотите попробовать? У Вас получится, потому что получается у всех, кто полон желания и способен слышать подсказки. Представьте, Вам подсказывают, а Вы делаете всё самостоятельно — Вы автор, Вы исполнитель, Вы победитель! Именно так, потому что побеждают только те, кто действует со знанием дела, а не спонтанно, не по наитию. Случай — плохой помощник.

Мы часто ищем оправдания: у меня не получится, мне не дано и т.д. Вы уверены? Хотите, я докажу обратное? Знаю, Вы способны на большее, нежели копировать чужие картинки. Регистрируйтесь на бесплатную онлайн встречу «Зачем художнику видеть?» 25 августа в 20.00 по московскому времени. Регистрация по ссылке: http://artgranata.ru/